The idea becomes a machine that makes the art

Une contribution de Alexandre Pachiaudi

En 1968 Sol Lewitt initiait sa série des Wall Drawings à la Paula Cooper Gallery. Dessins issus d’un long processus de réflexion et d’abstraction sur la position de l’artiste même, Lewitt arrive à la conclusion qu’une œuvre d’art n’a pas à être exécutée par l’artiste lui-même, mais peut tout à fait être exécutée par une tierce personne suivant une méthodologie plus ou moins précise, avec un certain degré de liberté. Comment interpréter par exemple ses « not really straight lines » récurrentes dans les notices qu’il laisse pour ses dessins.

« Once the idea of the piece is established in the artist's mind and the final form is decided, the process is carried out blindly. There are many side effects that the artist cannot imagine. These may be used as ideas for new works » dira Sol Lewitt, en 1969. Démarre ici un processus de création artistique nouveau pour l’époque : une certaine forme de distance entre le créateur et sa création est introduite dans la production d’œuvre. Les processus numériques contemporains de design génératif ne sont pas loin de cette démarche.
En 2002 Jürg Lehni, assisté de Uli Franke, développe Hektor, une machine à dessiner d’un nouveau type, un simple dispositif composé de 2 servo\-moteurs accrochés sur un mur à la même hauteur, et où est suspendue, au moyen de deux câbles, une bombe de peinture, le tout contrôlé depuis un ordinateur. Par un subtil jeu de géométrie entre les deux câbles et la gravité, Lehni est capable de contrôler la position de sa bombe de peinture et donc de dessiner à même le mur des formes issues de sa machine. De par sa simplicité, Hektor doit négocier avec la gravité en permanence, ce qui entraine une certaine forme d’imprécision dans ses dessins. Mariage du low et du hi\-tech, ce processus rassemble l’ultra précision des outils contemporains et une certaine fragilité presque humaine. Un outil post\-industriel, ou plutôt post\-numérique, questionnant la nature de la production graphique contemporaine.
La machine utilisée ici, une Polargraph, est issue du travail de Sandy Noble. Elle a été détournée et raccordée à d’autres processus de création d’images, pour produire les tracés tremblants des sections de ce numéro, à partir d’images iconiques.

Architecte depuis 2006, formé à Paris au sein de l'Ecole Spéciale d'Architecture, Alexandre Pachiaudi aborde l'architecture de manière éclectique. Riche d’un parcours multiple il a collaboré dans différentes agences ici et là, il a participé à un certain nombre de concours et de projets. Il rencontre lors de son parcours, l'agence de Renzo Piano avec qui il collabore depuis 2009 sur le projet de la Jérôme Seydoux - Fondation Pathé jusqu'à son achèvement en 2014. En parallèle de son travail d’architecte, Alexandre entretient une pratique spéculative et expérimentale sur cette fine frontière qui sépare les milieux de l’art et ceux de l’architecture. En grande partie avec OzCollective, collectif polymorphe dont il est l’un des membres fondateurs, participe à plusieurs expositions ou festivals depuis 2007. Ces productions, œuvres, conceptions architecturales, sculptures, installations, sont tout aussi multiples dans la forme que dans l’appréhension. Des objets hybrides, métaphoriques et poétiques qui explorent divers champs d’expérimentation. Une rencontre de la pensée cartésienne et de l’expérience du sensible. Alexandre est aussi professeur à l'Ecole Spéciale d’Architecture, sur la thématique des outils numérique.

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